Encuentros de Arte y Cultura Permanente

PROYECTO

FORMA PARTE DE LA RED DE ARTE Y CULTURA PERMANENTE Y  ORGANIZA UN ENCUENTRO EN TU LOCALIDAD. 

Encuentros de Arte y Cultura Permanente
Arte y Cultura  para la inclusión y la transformación social

Se pretende  llevar a cabo  para la comunidad Encuentros de Arte y Cultura Permanente,  con el objetivo de promocionar y difundir actividades artísticas de arte y cultura en la localidad.

Estos encuentros se llevaran a cabo durante el año en la segunda semana del mes en el día sábado o domingo.

Se realizan estos encuentros en espacios en zonas urbanas o rurales, en espacios publicos o  privados, iniciaran actividades de arte y cultura para promocionar y difundir actividades artísticas, como también brindar talleres artísticos siendo la misma un espacio  de encuentro de arte y cultura.

Presentación del Proyecto

Los encuentros de arte y cultura  permanente es un espacio de información, difusión,  y promoción en arte y cultura, un encuentro sin ánimo de lucro e independiente.

Definición de Encuentro de Arte y Cultura Permanente

Encuentro: Conjunto de personas reunidas y organizadas para fomentar actividades concretas, como  arte  y cultura.

Arte: Acto mediante el cual el hombre imita o expresa lo material o lo invisible, valiéndose de la materia, de la imagen o del sonido / ejercicio de la inteligencia.

Cultura: Conjunto de rasgos distintivos espirituales, materiales, intelectuales y afectivos de una sociedad o grupo social, que comprende, además de las artes y las letras, los estilos de vida, las
formas de convivencia, los sistemas de valores, las tradiciones y las creencias.

Permanente: se refiere a ser contante en lo que hacemos, duradero/continuidad, y no perder la cultura siendo la misma permanente en el tiempo.

Estos  encuentros  operan en todo el país desde 2016 con la finalidad de ampliar las oportunidades para la creación de espacios sociales y culturales y el apoyo al desarrollo artístico independiente.

Objetivos:

Fomentar el arte como eje de transformación social promoviendo un espacio para el disfrute y goce de actividades artísticas de arte y la cultura.
Impulsar arte y cultura para una salida laboral para los artistas locales.
Conformar un  grupo de artistas locales  y brindarles un espacio para que puedan exponer y presentar sus trabajos y actividades  artísticas.
Fomentar el Turismo local.

Misión:

Ofrecer un  espacio  de arte y cultura para encuentros y difusión cultural de actividades artísticas, destinados para la comunidad.

Actividades:

Música y Bailes Culturales (Tango, Folklore, y Danzas  Artísticas.)
Show Artísticos.  (Teatro)
Stans de Artesanos.
Exposiciones de Arte.
Presentaciones Artísticas.
Charlas Educativas y Debates.
Literatura.
Talleres de Artes.
Conmemoraciones y festejos de fechas y días efemérides.
Festivales
peñas, etc.

Metodología:

La metodología que usaremos en cada uno de los encuentros es usar las fechas efemerides y en cada encuentro se desarrollaran con  temáticas diferentes a un día importante del mes  y se presentara sobre dicho tema como por ejemplo día de la mujer, día del medio ambiente, día de la independencia, etc. en el evento de esta manera lograremos hacer que cada encuentro sea diferente, también se realizaran actividades recreativas y deportivas para los niños, así los padres puedan participar del encuentro y los niños también a través de talleres artísticos y recreativos, se realizaran para incluir a la tercera edad actividades artísticas  donde podrán participar en exposiciones, presentaciones y charlas.

La estrategia de seguimiento a los encuentros de Arte y cultura, se realiza a través de evaluaciones periódicas al proceso.

El grupo de organizadores y promotores de arte y cultura esta conformado por amigos, vecinos, voluntarios,  integrantes  y colaboradores.

Grupo de Artistas Independientes de Argentina.Promotores Culturales y Coordinadores de los
Encuentros de Arte y Cultura Permanente.

Ariel Agustín Quiroz
Coaching de Arte y Cultura Permanente
Promotor Cultural de los Encuentros de Arte y Cultura Permanente.
Celular: 2252-486237 Whatsapp

FACEBOOK

https://encuentrosdearteyculturapermanente.blogspot.com/

ENCUENTROS DE ARTE Y CULTURA PERMANENTE

Arte y Cultura

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Arte y cultura son conceptos muy habitualmente emparejados​ para referirse a los productos artísticos y culturales que definen los rasgos más importantes de una civilización, especialmente en sus componentes más elitistas y subliminales de osoes (la alta cultura), pero también en lo que define su forma de vida y su manera de entender a sí misma y al mundo (cosmovisión, ideología).

Mientras que el uso más habitual del término "arte" es mayoritariamente restringido en su uso bibliográfico a las denominadas tradicionalmente artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), las bellas artes clásicas incluyen también la danza, la música y la literatura; y se han añadido "nuevas artes" (séptimo arte -cine-, octavo arte o noveno arte -fotografía, cómic, televisión, publicidad-). Otro tipo de artes, denominadas artes menores o aplicadas se han revalorizado desde el primer tercio del siglo XX con el surgimiento del moderno concepto de diseño en la Bauhaus. Simultáneamente, se ha vaciado de contenido el propio concepto de arte como consecuencia de la propia teoría del arte de las vanguardias​ (de modo que pudo hablarse de la muerte del arte).​

El concepto de cultura es aún más genérico, e incluye todas las actividades humanas (desde la gastronomía hasta todas las manifestaciones del folclore, las tradiciones populares, las tendencias de la moda y las propuestas de todo tipo de subculturas -formas de ocio, tribus urbanas-).

Los aspectos ideológicos inseparables en el tratamiento del arte y la cultura hacen que en los estudios sobre ellas se refieran sistemáticamente a la religión, las doctrinas políticas y económicas, la ciencia y tecnología y todo tipo de relaciones sociales.​

ARTE Y CULTURA

 Arte y Cultura

El arte representa el puente entre individuos y culturas, como encuentro, como expresión de un sujeto y una cultura, es una actividad que condensa las ideas de un contexto social manteniendo su complejidad.

Las actividades artísticas-culturales consisten en promover actividades para el desarrollo del pensamiento y la expresión creativa de las personas, y que este sentir puede ser compartido con otros y para otros. A través de la expresión artística y cultural se busca que los niños, jóvenes y adultos, puedan interactuar, compartir su realidad propia y aprender de otros. Impulsando así la formación, la libre expresión y el desarrollo personal y grupal.

Es por ello que el arte apuesta al desarrollo cultural como otra de las tantas herramientas de inclusión social y participación comunitaria.

Objetivos Generales:

Fomentar el arte como eje de transformación social, promoviendo un espacio para el disfrute y goce del arte y la cultura.

Impulsar el arte y la cultura con formación profesional para una salida laboral. 

Aprender de oficios artísticos.

Sociabilizarse con los demás a través de pedagogía Alternativa  con juegos lúdicos y dinámica grupales.

Brindarles un espacio cultura para que puedan expresar sus talentos artísticos.

Misión

Tener un espacio de encuentro y difusión cultural donde niños, jóvenes y adultos pueden descubrir, explorar y desarrollar sus habilidades a través del arte.

Para promocionara y difundir las actividades artísticas para concientizar  sobre Arte y Cultura, como también en educación, prevención, deporte, ecología, seguridad, turismo, historia, tradiciones, salud, etc. 

  ARIEL AGUSTIN QUIROZ

ESPACIO DE ARTE Y CULTURA

Se designa Espacio de Arte y Cultura  o establecimiento de Arte y Cultura, y en ocasiones centro de Arte y Cultural Comunitario, al lugar en una comunidad destinado a mantener actividades que promueven el Arte y la Cultura entre sus habitantes.

El Espacio de Arte y Cultura tiene biblioteca, salones de ensayos, auditorio, anfiteatro y cine, salones de estudio, donde brindan, talleres, cursos y otras actividades generalmente gratuitas o a precios accesibles para la comunidad. Este tipo de Espacio tienen una gran importancia para la preservación del Arte y la cultura local, sobre todo en comunidades rurales que carecen de teatros, cines o salas de conciertos. Aunque también  tienen importancia para mantener actividades culturales orientadas a grupos de todas las edades y estratos sociales.

ARLEQUÍN

EL ARLEQUIN

Arlequín (Arlecchino en italiano) es el personaje más popular de la Commedia dell'Arte, aparecida en Italia en el siglo XVI, pero cuyo origen arranca de la Edad Media. En las sencillas tramas de la «commedia» aparece como compañero habitual del astuto Brighella y la pícara Colombina, formando el grupo más popular de los «zanni» (criados).

La personalidad de Arlecchino puede llegar a resultar camaleónica: astuto y necio, intrigante e indolente, sensual y grosero, brutal y cruel, ingenuo y pobre de solemnidad, como describe su propio atuendo, mil veces remendado y parcheado, que con el tiempo tomó ese aspecto de malla de estampado romboidal. Lleva una máscara negra de nariz geminiana y es un fabuloso acróbata saltarín. Representa al criado tragón y tonto, siempre en busca de pelea, comida y mujeres, pero de pronto humanizado ante las humillaciones, el miedo al hambre, el amor de Colombina y con una inigualable capacidad de supervivencia.

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PAYASO

EL PAYASO

Un payaso (del italiano pagliaccio) es un personaje estereotipado representado comúnmente con vestimentas extravagantes, maquillaje excesivo y pelucas llamativas. Generalmente se le asocia con un artista de circo, cuya función es hacer reír a la gente, gastar bromas, hacer piruetas y en ocasiones trucos divertidos, pero también es un actor satírico que se burla de la cotidianidad. En algunas culturas, la vestimenta y el maquillaje del payaso denotan una jerarquía, desde el maquillaje de vagabundo hasta la cara blanca. El artista puede hacer uso de maquillaje de base de aceite o de agua. Asimismo, en algunas sociedades los payasos se relacionan con otros ámbitos y temas, sobre todo de la televisión, donde aparecen representados incluso como personajes malvados. Regularmente en la infancia le temen a estos personajes por su vestimenta y arreglos. El también conocido clown que significa «aldeano», tiene como antecedente los circos donde eran los aldeanos los primeros en formar parte de estos.

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Mimo

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Para otros usos de este término, véase Mimo (desambiguación).

La pareja mímica Jean y Brigitte Soubeyran en 1950.

Un mimo (del griego antiguo «μῖμος», ‘mimos’, imitador, actor)

es alguien que utiliza la mímica como medio teatral o como una acción artística, o representa una historia a través de gestos faciales o movimientos del cuerpo, sin uso del discurso o expresión verbal.

Orígenes

Puede concederse al mimo teatral un origen genérico en el «μῖμος» (mimo) representado en la Antigua Grecia preclásica,​ de carácter realista y satírico y luego asociado a otros géneros como la comedia, mezclando imitaciones y acrobacias en un régimen general de improvisación.​ Cercano a la farsa, el mimo greco-romano coincidía en la temática «ligera, festiva y obscena por lo general». ​ Los primeros autores relacionados con el género fueron Epicarmo de Cos y Sofrón de Siracusa, en el siglo v antes de Cristo.

Algunas fuentes mencionan a Puladēs de Cilicia como uno de los creadores del mimo trágico, y a Bathullos de Alejandría, como creador del mimo cómico.

En Roma, Trajano desterró a los mimos, Calígula les favoreció, Marco Aurelio los hizo sacerdotes de Apolo y Nerón actuó él mismo como un mimo.¹⁰​ Su popularidad a lo largo del periodo imperial romano llegaría a eclipsar al drama culto; sin embargo, en el siglo v, la Iglesia, llegaría a excomulgar a los actores y conseguir del emperador la clausura de los teatros un siglo después.

Conservado en la Europa Medieval por las compañías ambulantes, resurgió y se y difundió con la Commedia dell'Arte,​ tuvo entre sus más dignos representantes al bufón y al cómico de la legua.​

Su más moderna expresión y desarrollo se debe al mimo y saltimbanqui Jean-Gaspard Deburau, que en el París del siglo xixinmortalizó la figura silenciosa con la cara enharinada. Le seguiría luego acques Copeau, muy influenciado por la referida ‘comedia del arte’; su discípulo Étienne Decroux desarrolló el mimo corporal. Más tarde, Jacques Lecoq sintetizó la mímica y el teatro físico.​ En esta línea, el último gran representante francés fue Marcel Marceau.

Evolución

Charles Chaplin en Vida de perro (1918).

Las restricciones de la tecnología del cine mudo obligaba a contar las historias con un mínimo de diálogo, que aparecía en breves intertítulos. En el cine mudo, actores cómicos como Charles Chaplin, Harpo Marx Harold Lloyd y Buster Keaton, que aprendieron el arte de la mímica en el teatro, lo popularizarían a través del cine. Trayectoria que seguirían cineastas posteriores como Jacques Tati. El mimo como recurso narrativo de apoyo de la trama tuvo especial desarrollo en el cine expresionista alemán.

Asimismo, con posibles orígenes en la Commedia dell'Arte, el mimo ha sido un recurso tradicional en espectáculos populares como el circo, como lenguaje de base del payaso. En esa línea se sitúa el estilo improvisado y abierto a la participación del público de Lecoq, en oposición al estilo clásico de Marceau.

Mimo y danza en Oriente

Las danzas clásicas de la India, etiquetadas indistintamente como bailes, rituales y formas teatrales presentan la narración a través de gestos estilizados, con una gran variedad de posiciones de las manos sugiriendo personajes, acciones y paisajes. La recitación, la música e incluso el trabajo de percusión de los pies a veces acompañan la actuación. Un ejemplo erudito pudiera ser el «natia-shastra», un antiguo tratado sobre el teatro escrito por el musicólogo Bharata Muni.

Tradiciones teatrales japonesas como el butō y el nō parecen haber influido en el mimo y teatro contemporáneos, imponiendo el uso de la máscara y el estilo de actuación muy físico, como en algunas propuestas y trabajos de Copeau y Lecoq.

Pierrot

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Pierrot (Gilles),​ pintado por Antoine Watteau en 1718 - 1719. Museo del Louvre, París.

Pierrot es un personaje de la Comédie Italienne, a partir de Pierotto o Pedrolino, máscara secundaria de la Commedia dell'Arte del siglo XVI, cuya personalidad se atribuye al cómico Giuseppe Giratoni en el siglo XVII. Pasó a Francia a finales de esa misma centuria,​ donde el mimo Jean-Gaspard Deburau le dio el carácter y apariencia que le harían universal.​

En el umbral del siglo XXI, la iconografía que se conserva de Pierrot son las del mimo silencioso definido por Deburau en Les funambules; el mismo de Les folies nouvelles, del mimo Paul Legrand, y de La historia de un Pierrot (1890), de Mario Costa y Fernand Beissier.​

 

Evolución y transformación

En su origen italiano, "Pedrolino", uno de los zanni (criados o siervos) secundarios, era, al igual que "Trivellino", un habilidoso bailarín y, como tal, fue interpretado por Giovanni Pellesini, actor de la compañía «Gelosi» (Los Celosos). Casi un siglo después, hacia 1660-1665, el cómico Giratoni le dio relevancia en sus argumentos añadiéndole características de músico y recitador, y presentándolo en sus giras por Francia con estos atributos.

Otras fuentes dan como primer gran "Pierrot" al actor italiano Fabio Antonio Sticotti (1676-1741), que lo adaptó al gusto francés junto con su hijo, Antonio-Jean Sticotti (1715?-1772), que lo llevó luego a Alemania.

La transformación definitiva fue obra de Deburau (1796-1846) que representó al Pierrot taciturno con éxito durante varias temporadas en el "Theâtre des Funanbules" de París. La propia vida de Deburau inspiró el personaje de "Baptiste", que más tarde fue interpretado por Jean-Louis Barrault en la película Les Enfants du paradis (1945) de Marcel Carné.

Debureau estableció las características que, en adelante, definirían la iconografía del Pierrot, también llamado "payaso Blanco", "Carablanca", "Enharinado" y "Listo". Suele ir maquillado de blanco y con un disfraz claro y brillante a juego con una gran gorguera. La antigua máscara italiana perdió las características de astucia e ironía propias de los zanni de la comedia del arte, convertido por Deburau en una víctima melancólica del amor no correspondido, precedente a su vez del clown triste, enamorado de la luna, con el que finalmente se le identifica.

Iconografía

El éxito de este personaje entre artistas e intelectuales del siglo XX lo subrayan obras como el Pierrot Lunaire de Arnold Schoenberg (pieza musical sobre 21 poemas de Albert Giraud), las múltiples representaciones plásticas de pintores y escultores de los siglos XIX y XX, o en el mundo del cine, la película de Godard Pierrot el loco.

REFLEXIONES SOBRE ARTE

Hoy lo que se reflexiona sobre el arte es poco: se usa más la llamada crítica de arte, que más bien embrolla que aclara, en mi humilde opinión, aunque hay algunas obras interesantes como excepción. Desde que el arte entró en el mercado, todo ha cambiado. No hay vanguardias. Las vanguardias murieron en los años setenta…o poco más. El carácter de las vanguardias era rompedor, como su nombre indica. Hoy todo arte está asimilado: por muy aparentemente rompedora que sea una obra, los museos, las instituciones, la asimilan inmediatamente, la financian, la publicitan…y la desarman de su aspecto de vanguardia. Por eso proteger, financiar, subvencionar la obra artística es su muerte. Y que el arte haya derivado al diseño y la publicidad no es de extrañar en absoluto. Andy Warhol (y antes la Bauhaus lo intentó) abrió una puerta que nadie ha cerrado aún.

El arte no es arte por el paso del tiempo. El arte es una manifestación creadora humana, únicamente humana, como la técnica, como la escritura, como otras muchas actividades. Y es una manifestación humana que no tiene otra vía para lo que manifiesta. Me explico: lo que expresamos con el arte no podemos expresarlo de otro modo, no es ciencia, no es filosofía, no es más que...arte. Es decir, una actividad en la que expresamos sentimientos e ideas que no podemos expresar de otra manera y que necesitamos expresarlas. Y lo que expresamos es nuestra posición ante la vida, ante la naturaleza, ante la sociedad....Más o menos todos los humanos tenemos esas necesidades: unos tienen el talento y la habilidad de realizarlas plásticamente, y otros de disfrutarlas, de emocionarse con ellas, de sentirse en comunicación con el artista, que es como llamamos a aquel que sabe (o al menos lo intenta) cómo plasmar esas emociones o esas ideas (Kant las llamaría trascendentales) que de otro modo no podríamos expresar. Pero la necesidad existe.

También existe una cierta funcionalidad, es decir, según épocas y según culturas, el arte ha estado ligado a la religiosidad (que también es una manifestación humana inexpresable por otros medios), en otros casos a creencias mágicas (pueblos primitivos), en otros casos a la ilustración del conocimiento, a la cultura en general. Ligado a la idea de lo bello, de las bellas imágenes, que supuestamente son las que nos producen emociones estéticas.

En otras épocas se ha pensado que el arte era precisamente arte porque "no servía para nada", como también se ha pensado que todo aquello que el hombre construye debía ser bello, y por tanto, artístico (Bauhaus), y en tiempos más contemporáneos se ha pensado que el arte debía expresar conceptos, regateándole espacio a la ciencia, que es la encargada de trabajar con conceptos.

Una vez que esas cosas físicas, esos bellos productos humanos que llamamos arte en general (pinturas, esculturas, edificios, sonidos musicales, literatura...) , se dan, también se da la historia del arte. Así como hacemos un recuento de los hechos humanos a través de los años, también hacemos un recuento de los productos artísticos a través del tiempo. ¿Que ocurre? Pues que unos productos nos llegan y otros no, otros a veces han sido destruidos y sólo sabemos de ellos por referencias de historiadores. De los que nos llegan, unos son de una calidad mejor que otros. Aquí ya entra una valoración. ¿Cómo y quién valora el arte? En un primer momento, los historiadores, los arqueólogos, y posteriormente los críticos. ¿Cuáles son los criterios? Ya empezamos a entrar en un terreno conflictivo.

Primero, si nos concentramos en las artes plásticas, las valoraciones se han hecho efectivamente, a través de la historia, y han habido "modas", por ejemplo en cuanto a artistas que quizás en su tiempo no estaban demasiado valorados, y posteriormente se han valorado mucho más. O incluso artistas muy valorados en su tiempo que luego han sido considerados como mediocres. En esto interviene no tanto la historia o el tiempo, sino los especialistas que analizan el arte en cada época.

Las artes plásticas, hasta los impresionistas -se suele poner esa frontera, en general, en los historiadores del arte- se ha seguido un desarrollo más o menos lineal; las artes han estado generalmente subordinadas a la representación de la naturaleza, de lo bello, de lo religioso, lo histórico o lo mitológico, y generalmente la actividad artística ha estado patrocinada o por mecenas privados o por la Iglesia. A partir de los impresionistas, si admitimos esa frontera, se producen una serie de cambios: el arte deja de ser una fiel representación de la naturaleza (entre otras cosas porque ha nacido la fotografía) y los artistas inician una cierta rebelión frente a los mecenas: quieren ocuparse libremente de su actividad y venderla al mejor postor, entrando así en la economía de mercado: la obra artística se convierte en mercancía de lujo. Esto trastoca todos los valores al uso hasta el momento.

¿Qué ocurre entonces? Que su valoración estética se mezcla y a veces se confunde con su valoración en el mercado. Que los criterios para decidir si un artista es bueno o malo como creador, a veces se solapan con la idea de si es bueno o malo vendiendo su obra. Obviamente, muchos artistas jóvenes, confusos ante el caos reinante, se convencen de que lo importante es vender y para vender hay que hacer una publicidad, y ¿qué mejor publicidad que hacer una obra provocadora? Resultado: una carrera de obstáculos a ver quién consigue llamar más la atención del comprador, del galerista, del crítico que va a encumbrar o a hundir al artista emergente. Así nos encontramos con un artista italiano que decide empaquetar en botes su propio excremento y lo pone a la venta en una galería de arte, bajo el título “merda d’artista”(Pietro Manzoni).

TALLERES

Características de los Talleres de Arte y Cultura

Taller de Teatro Artístico.

El Taller de teatro Artístico es una propuesta y experiencia totalmente innovadora para el desarrollo cultural e inclusión social.

Esta iniciativa permite elevar el nivel cultural de todos sus integrantes, fomentando en formas de expresión, comunicación y convivencia, mediante la formación de grupos de teatro, el montaje de obras, clases abiertas, narraciones y participaciones en diferentes eventos de la comunidad. De esta manera, se estimula la reflexión, y la posterior acción, sobre su entorno sociocultural.

Taller de Literario Creativo y Literatura.

La práctica literaria, más allá del aprendizaje de habilidades técnicas, invita a una reflexión permanente sobre todos los aspectos de la vida. Conseguir contagiar en cada grupo su día a día y que le ayuden a traducir en palabras su mirada sobre la realidad parar convertirse en escritor. A partir de este taller se estimulan y se realizan producciones literarias de diferentes géneros: novelas, poesías y cuentos (ciencia ficción, policial, genero fantastico), entre otros.

Taller de Artes Plásticas (Dibujo y Pintura)

El taller de Artes Plásticas es un espacio orientado al fortalecimiento de las capacidades creativas de los jóvenes. Se promueve la experimentación de los diferentes materiales y se trabaja en la reutilización de objetos de descarte y en la concientización del cuidado del medio ambiente. El taller buscar transformar los elementos cotidianos en obras de arte.

Ballet Folklórico y Danzas Artísticas.

La danza promueve el trabajo grupal, la solidaridad y la comunicación. Transmite valores que integran nuestra identidad, costumbres culturales y de nuestras raíces en un ambiente de alegría y cooperación, desarrollando el espíritu de la libre expresión.

Este taller está destinado a impulsar el conocimiento e interpretación de las danzas folklóricas de nuestro país. Se desarrollan las capacidades expresivas y técnicas de los jóvenes para la interpretación de pasos, posiciones, figuras y estilo de las danzas en su forma tradicional y popular.

Murga

La murga es la expresión reivindicatoria de los sectores sociales invisibles, del sentir ciudadano, un medio natural de comunicación. La murga es una expresión popular que aúna las diferentes artes en función de un objetivo común, donde cada joven desarrolla su capacidad lúdica y creativa a través de la música, el canto y el baile. Comprendiendo la importancia del trabajo colectivo, se prioriza; el respeto por los otros y por uno mismo, la solidaridad y el compañerismo.

Taller de Juegos Literario

Al ser una actividad tan temprana y divertida, el juego es una amplia puerta de acceso a la literatura, que pueden atravesar todos con una sonrisa. Por eso, el taller de juegos literarios propone una aproximación lúdica a la literatura. De este modo, tareas tan complejas como leer y escribir parecen sencillas y resultan entretenidas.

Taller de Artesanías

El taller tiene objetivos que apuntan a desarrollar actividades creativas de acuerdo a las potencialidades de los jóvenes, desarrollar habilidades para la exploración de materiales y elementos durante el desempeño de la actividad, implementando actividades para la expresión de sí mismo y favoreciendo destrezas funcionales para la socialización.

Este taller promueve actividades de reciclado, elaboración de  artesanías y  manualidades, entre otros.

Taller de Narración

El taller tiene objetivos que tienden a favorecer la oralidad de los participantes del taller. Ofrecer espacios de comunicación nuevos, mejorar la dicción y acercar la literatura.

Taller de musica y bailes artisticos.

El taller de música y bailes Artísticos propone una actividad física divertida con pasos simples y música alegre para que todos puedan participar.

Taller de Gimnasia Aeróbica

El taller de Gimnasia Aeróbica estimula el desarrollo locomotor para estimular el desarrollo personal y favorecer la participación grupal.

Taller de Carpintería Artística

El Taller de Carpintería Artística  brindará la posibilidad de adquirir los conocimientos básicos para transformar la madera con herramientas manuales y electro manuales, fortalecimiento de las capacidades creativas, se trabaja en la reutilización de objetos de descarte para la construcción de objetos artísticos como tallados, esculturas en madera y estructuras, muebles, entre otras cosas.

Taller de Circo Artístico

La actividad de circo estimula la concentración, la perseverancia y la disciplina, además de acrecentar el carisma, la autoestima, la alegría interna de cada uno/a y las ganas de trabajar. El circo por un lado puede caracterizarse como deporte a la vez que es un arte, por ello son doble sus beneficios.

 
Como deporte, aumenta nuestras habilidades psicomotoras, la fuerza y resistencia. Y no solo físicamente, también mentalmente. Y por otro lado, teniendo en cuenta los aspectos que como arte presenta, el circo incentiva la creatividad, la imaginación y expresión de los niños/ as.

 
En estos talleres se acerca a los niños/as y jóvenes al mundo del circo, trabajando sus distintas modalidades (malabares, equilibrios, acrobacias y acrobacias aéreas...)

Taller de Juegos Artísticos.

Los talleres de juegos artísticos  introducen a la creatividad a través de juego en diversas disciplinas: dibujo, pintura, modelado, escultura, grabado, collage... Donde se  descubren a través de diferentes materiales el placer de la transformación y la creación.

Taller de Dinámica de grupo.

El Taller permite facilitar el proceso de aprendizaje porque plantea interrogantes, abre cuestionamientos, facilita búsquedas y estimula el pensamiento la creatividad y el trabajo en equipo.

Se aprenden técnicas de animación grupal permiten obtener diferentes resultados, según el propósito de cada una, ya sea para romper el hielo, para que cada uno de los individuos del colectivo conozca a los demás o para conformar equipos de trabajo y resolución de problemas, entre otros. Las dinámicas de grupo que se realizaran son:

1. Técnicas de presentación
2. Técnicas divisorias
3. Juegos de desinhibición
4. Técnicas para el conocimiento
5. Técnicas para fomentar la participación
6. Técnicas de planificación
7. Técnicas de organización

Taller de Arte Terapia.

El bordaje arteterapéutico facilita y promueve la posibilidad de expresión,  aperturas, desbloqueos, reflexión, diversión, descubrir las habilidades y recursos (autoconocimiento), aprendizajes, esclarecimientos, etc. todo esto a través de amplios y muy diversos lenguajes artísticos desde el juego, la espontaneidad, la imaginación, la inspiración, la fantasía, los obstáculos, el reconocimiento de las limitaciones y las capacidades, etc.  

                                                                     
Para esto se utiliza de técnicas, consignas, dinámicas, procesos creativos; cada una de ellas tienden a trabajar aspectos específicos como las miradas, la escucha, la exposición sin exponer, motivación, comunicación, vínculos, autoestima, integración, mutua representación interna, estímulos, sentires, emociones, atravesamientos teóricos, etc.

Arteterapia permite llegar donde la palabra sola a veces no puede hacerlo, parados siempre desde la salud y no desde la enfermedad, sin interpretar ni evaluar lo producido, sino poniendo la mirada en el acontecer del proceso creativo. 

Además esquiva al intelecto y al saber, que muchas veces impiden el fluir, obrando como obstáculo.                                                                                    
       

Taller de Expresión Artística

La expresión artística es la canalización de ideas y sensaciones intelectuales hacia el exterior y hacia los demás mediante una disciplina artística.

A lo largo de su desarrollo, los niños van haciéndose una representación mental del mundo que les rodea o lo van idealizando de forma simbólica, construyendo una estructura intelectual que más tarde les ayudará a “conducirse” por la sociedad y por el entorno.

En los niños, la posibilidad de experimentar y expresar con diferentes elementos como las pinturas, los tacos de madera, las telas, los rotuladores… dará paso a la construcción de proyectos útiles para sus intereses y vida futura.

Objetivos:

·                        Promover el desarrollo integro de cada uno de los estudiantes que participan de la iniciativa.

·                        Incentivar la originalidad en las creaciones por medio de la adquisición de técnicas de elaboración personales.